Листья вместо холста. Сказочные рисунки двух художниц из Грузии

Далеко не каждому предоставляется возможность прожить свою жизнь в мире, созданном своими руками и подчиненному своим желаниям, свободном от предрассудков и благ цивилизации. Таша Тудор — это целая викторианская эпоха, воплощенная ею на небольшой американской ферме. Эта женщина, соединившая в себе дар художника-иллюстратора, сказочницы, декоратора, садовницы, повара, мамы, бабушки была любимицей всей Америки, ее «королевой сердец».

Удивительная история жизни американки Таши Тудор, обладавшей уникальным даром трансформировать реальную обыденность в сказочный быт, в последние годы все больше и больше привлекает к себе внимание современников. Вначале жизненного пути, в средине 20 века, этой женщине так хотелось жить в викторианской эпохе, что она своими руками создала этот мир вокруг себя, невзирая на все тяготы, предрассудки и препятствия.

Таша Тудор чудесно рисовала, писала книги, создавала игрушки, мастерила различные поделки, ткала, шила, вязала. В ее саду всегда цвело множество цветов и росли необычайные растения. А еще у нее хватало сил и времени на то, чтобы собирать друзей и родных на послеобеденный чай, за которым всегда увлеченно рассказывать интересные истории.

Ее гардероб состоял из длинных платьев викторианской эпохи, поверх которых она всегда носила фартук. Ей приходилось собирать дрова, чтобы растопить печь и носить воду ведрами из колодца, вставать рано, доить коз, делать сыр и взбивать масло, печь хлеб и печенье, варить варенье.

Гармоничный образ жизни в стиле Таши Тудор — это, прежде всего мудрое осознание того, настолько важно найти свое место в жизни. Единение с природой и каждодневный труд на земле, приносящий радость и плоды, домашний уют и собственноручно сшитые занавески, запах сушеных ягод, чабреца и свежевыпеченного хлеба на кухне, любовь в сердце — все это сейчас поклонники называют стилем «а-ля Таша».

В наши дни во многих странах миллионы людей устраивают праздничные посиделки в стиле за чаем «а-ля Таша», пекут блинчики — «как у Таши», вяжут на спицах детям теплые варежки с рисунками из книг Таши, посылают друг другу Рождественские открытки, созданные Ташей, читают детям перед сном книги, написанные и проиллюстрированные Ташей.

Картины в доме

Почему нельзя держать дома картины, спросите вы? Вообще, конечно, вешать картины, панно и другие декоративные элементы дома можно и даже нужно. Ведь правильно подобранная картина способна привнести уют и тепло в дом, расставить акценты и вообще охарактеризовать владельца дома.

Просто из-за суеверий, мистических или довольно правдивых правил, а также восточных учений, многие советуют отказаться от определенного вида картин, от определенных сюжетов. Тоже самое касается и места расположения – то, что подходит для одной комнаты, может не подойти для другой, и наоборот.

Так как же все-таки быть и как правильно выбрать картину, чтобы она не нарушала никаких правил и законов, а приносила своим владельцам только положительные эмоции и энергетику? Давайте разбираться вместе!

Картины Фриды Кало. В чем секрет популярности художницы?

Картины Фриды Кало в большинстве своем довольно жуткие, в анатомии она тоже явно не всегда была сильна. Ее работы можно назвать скорее наивными, чем технически сильными. Взять ту же Ремедиос Варо — она явно лучше рисовала, да и картинки у нее милее. Вряд ли у кого возникнет желание повесить картину Фриды возле кроватки, разве только если он не чокнутый с синдромом поиска глубинного смысла.

И, все же, мало кто из сюрреалистов (не считая Сальвадора Дали) добился такой известности. А среди женщин сюрреалистов так и вовсе Фрида Кало, пожалуй, единственная.

Дружеские объятия Вселенной. В этой картине Фрида Кало как бы не иллюзорно намекает нам на крайнюю инфантильность своего мужа Диего.

Так в чем же сила, брат? Думаю, секрет успеха Фриды в том, что несмотря на свою явную наивность и пугающие образы (а скорее благодаря), творчество художницы производит весьма сильное впечатление. Фундамент любого творчества — по сути, сила эмоций, которые оно вызывает, не важно — приятные или нет.

Когда смотришь на картины мексиканской художницы, как будто кожей ощущаешь всю ту боль, которую она перенесла. Искренность ее работ поражает. И некоторая наивность в этом случае только усиливает впечатление. Сила Фриды Кало в том, что она никогда не шла на поводу у толпы, а попросту выплескивала на холст все то, что у нее скопилось на сердце, без оглядки насколько это будет шокирующим. Казалось бы парадокс — иметь успех у толпы не следуя на поводу у толпы.

Олененок или раненый олень.

Творчество Фриды Кало как отражение жизни художницы.

Думаю, еще дело в том, что Фрида Кало прожила весьма интересную, пусть и несчастную жизнь. Ее жизнь была полна драм, трагедий, несчастий, предательств и острых эмоций. Не удивительно, что такая сочная история заинтересовала режиссеров. А конкретно Джули Тэймор, которая в 2002 году выпустила на свет хороший, годный фильм «Фрида» по мотивам жизни сабжа.

Ведь именно это мы и любим, верно? — посмотреть на чужие драмы, лежа в мягких постелях, чтобы пощекотать себе нервы. Фильм, кстати, если еще не смотрели, рекомендую — очень. Правда слишком уж грустный. Автор рыдал, как *цензура* даже пустил скупую мужскую слезу.

Короче, рецепт от Фриды, как стать известным художником после смерти (ну и совсем немножко до).

• Попадаешь в аварию и всю жизнь мучаешься от боли в переломанных костях.
• Хочешь нормальной семейной жизни и поэтому выбираешь самого заядлого бабника в своей стране (Диего Ривера), к тому же толстого и страшного.
• Всю жизнь хочешь завести детей, но не можешь из-за проблем со здоровьем.
• Говоришь людям то, что ты о них думаешь в лицо. Всегда. Всем.
• Заглушаешь свою боль алкоголем и табаком.
• Выплескиваешь все это на холст.
• .
• Профит.

Ладно, это все глупый черный юмор. То с какой стойкостью эта хрупкая женщина переносила все невзгоды только добавляет трагичности. А судьба, как будто специально, чтобы испытать на прочность посылала одно несчастье за другим.

Сломанная колонна — тут как бы все понятно. В этой картине Фрида изображает свои страдания из-за болезни.

Смешение различных стилей живописи в картинах Фриды Кало.

Фрида на самом деле очень глубокая и интересная художница и до сих пор поражает своей внутренней силой и харизмой. В отличие от того же Сальвадора Дали или Магритта образы Фриды отличаются большей прямотой, что отнюдь не умаляет их глубины.

В картинах Фриды Кало явно видно влияние мексиканского мурализма или мексиканской монументальной живописи. Наиболее ярким и известным представителем этого направления является, внезапно, муж Фриды — Диего Ривера. Мексиканский мурализм — это такая причудливая смесь совка соц. реализма с элементами кубизма и символизма, приправленная мексиканским колоритом.

Вообще, в творчестве мексиканской художницы намешано много разного и всякого — тут и сюрреализм, и мурализм, и символизм, а кое где и элементы народного творчества — всякие мексиканские цветуечки и узоры.

Оно то в общем и не удивительно, ибо Фрида Кало рисовала от сердца и никогда особо не заморачивалась принадлежностью к какому-либо течению живописи. Например, Фрида никогда не ассоциировала себя с сюрреализмом. По сути Фриду можно отнести категории художников, которые «что вижу / чувствую, то пою».

5 самых известных грузинских художников

Грузинская живопись развивалась и развивается, с одной стороны, под влиянием европейских (в том числе русских) образцов, с другой — обладает большой самобытностью, проявляющейся в сюжетах и использовании ярких красок. В нашей подборке — 5 самых известных художников Грузии.

Георгий Габашвили (1862–1936)

Уроженец Тифлиса был первым в Грузии признанным мастером реалистической живописи. В 1891 году он устроил собственную персональную выставку — до него ни один грузинский художник ничего подобного не делал. Отучившись в петербургской Академии художеств (1886–1888), он отправился перенимать западный опыт в мюнхенскую (1894–1897), а в 1922 году стал одним из основателей тифлисской.

Габашвили сравнивали с Репиным, а его разноплановое наследие — портреты, пейзажи, батальные сцены и зарисовки повседневной жизни — насчитывает более 2000 картин. Причем рисовал он не только Грузию: один из вариантов его картины «Базар в Самарканде» в 2006 году был продан на аукционе более чем за миллион долларов:

Нико Пиросмани (1862–1918)

Нико Пиросмани не нуждается в представлении: сегодня это один из наиболее известных художников-примитивистов и олицетворение Грузии для всего художественного мира. До 1912 года он был никому не известным художником-самоучкой, выполнявшим вывески и панно по заказу тифлисских трактиров. Пораженные его работами братья Зданевичи и Михаил Ле-Дантю привезли их в Россию, и с первой московской выставки (1913) имя Нико Пиросмани стало известно в авангардистских кругах обеих столиц Империи — что, впрочем, не помешало ему умереть в нищете.

Одной из любимых тем художника было грузинское застолье. Оно изображено на картинах «Компания Бего», «Кутеж пяти князей» и «Кутеж» (полотно, чем-то напоминающее «Тайную вечерю» Да Винчи):

Давид Какабадзе (1889–1952)

Давид Какабадзе точно не боялся экспериментов. Он был одним из издателей манифеста «аналитического искусства» (1914) и горячим поклонником творчества Пиросмани, а в 1919 году эмигрировал во Францию, где оказался буквально на острие художественного прогресса. Здесь он расыпялял краску из пульверизатора, искал способы передачи свечения на холсте, создавал абстрактные композиции и даже изобрел специальный аппарат, предвосхитивший идеи 3D-кинематографа.

В истории грузинской живописи Какабадзе остался как главный кубист. Его картина «Имерети — мать моя» воспроизведена на купюре в 10 лари:

Ладо Гудиашвили (1896–1980)

Ладо Гудиашвили прожил долгую жизнь, успев попробовать себя во множестве жанров и техник живописи. После революции он, как и Какабадзе, переехал в Париж, где познакомился с Пабло Пикассо, Амадео Модильяни и Игнасио Сулоагой. Именно в парижский период он работал наиболее интенсивно и почти сразу снискал признание во Франции. Позднее выставки его работ проходили в Лондоне, Риме, Амстердаме и Нью-Йорке. В 1925 году художник вернулся в Грузию, а после войны был уволен из Академии художеств за роспись храма Кашвети в Тбилиси.

В центре художественного мира Гудиашвили — женщина, по выражению художника, являющаяся «источником жизни и добра»:

Елена Ахвледиани (1901–1975)

Отучившись в Тифлисской академии художеств под руководством Георгия Габашвили, Елена Ахвледиани поступила в знаменитую парижскую Академию Коларосси. Главным жанром в ее творчестве стал пейзаж, и Грузия дала художнице широкий простор для работы. Она изображала природу родной Кахетии и других грузинских регионов, улицы больших и малых городов — и, конечно, оставила после себя зарисовки старого Тбилиси:

Кроме того, художница работала оформителем театральных спектаклей и кинолент, а также иллюстратором — ее изображения украшают издания Сервантеса, Гюго, Чавчавадзе.

«Миллион алых роз» Нико Пиросмани

Художник Пиросмани известен миру, как грузинский самоучка XX столетия, представитель направления примитивизм. Его жизнь полна загадок. Странным образом не сохранилась даже точная дата рождения. Из информации, собранной почитателями творчества художников XX века удалось узнать о непростом характере и излишней эмоциональности Нико. Люди считали, что грузинский художник Пиросмани не от мира сего. Да и сам художник якобы рассказывал, что видит святых, а кисть не подвластна его воли.

Основные сюжеты картин — сцены праздников или застолий Грузии, представляющих яркую противоположность полуголодной жизни самого Нико. Искусство у Pirosmani находилось на первом месте. Случались и голодные дни, когда он творил за кусок хлеба. Материальная сторона не имела значения. Так и появились натюрморты художника – «Пиры», рисованные на вывесках.

Другие мотивы в картинах — анималистические. Животные всегда изображены с взглядом, как у человека, одинокие подобно самому автору. Рисовал он и портреты, «карточки» на картоне, часто срисовывая изображение с картинки.

«Актриса Маргарита» – картина, украшавшая стены Лувра. С француженкой на полотне, у художника связана дивная история. Однажды в Тифлисе Пиросмани увидел женщину невероятной красоты певицу и танцовщицу Маргариту де Севр. Лавочник Николай, желая удивить прекрасную даму, продал свой скромный бизнес и на вырученные деньги купил розы. Цветы он в буквальном смысле бросил к ногам француженки. Чем закончилась красивая история художника с миллионом алых роз, можно только гадать. Исследователи творчества Нико опровергают этот случай, уверяя, что историю придумал Паустовский, уже после кончины Пиросмани.

Произведение «Бездетный миллионер и бедная с детьми» показывает настоящий смысл бытия. Высохшие сухие стволы позади указывают пустоту бытия. Настоящее богатство для автора заключается в продлении рода.

В картине «Сбор винограда» Niko подчеркивает плодородную землю родной страны путем уменьшения изображенных виноградников. Для произведения характерна игра светом, льющимся сквозь виноградную лозу.

Работ художника — самоучки практически не сохранилось. Но его картины и натюрморты, известные нам, обезоруживают своей пронзительностью. Пиросма, имя которого известно всему миру, — загадка для современников его века и неразгаданная тайна для нас.

Грузинская живопись – великое художественное наследие для всего мирового сообщества. Полотна современных художников пестрят разнообразием образов и направлений. Все произведения объединяет любовь к особенностям родной страны, её природе и уважение к простому народу.

Вышитые пейзажи

Невероятные работы мастерицы, поражающие своей реалистичностью и яркостью, напоминают настоящие живописные полотна, которые можно повесить на стену, а также подарить друзьям и близким.

Вера в своём творчестве постоянно экспериментирует, добавляя новые и яркие детали в свои необычные работы. Художница своим удивительным творчеством доказывает, что вышивка – отдельный вид искусства. А ведь девушка даже не имеет специализированного образования! Правда, глядя на её потрясающие работы, в это довольно сложно поверить.

Фото @shimunia

Вера начала свою практику пейзажной вышивки в 2015 году. Несмотря на то что она художница-самоучка (она училась на экономиста), в своих навыках она достигла таких высот, что за творческим процессом этой талантливой мастерицы можно наблюдать часами, пристально изучая мельчайшие детали и красоту окружающего мира. А вдохновением для развития своих творческих способностей для неё стала любовь.

«Я просто решила попробовать себя в этом, и когда я закончила свою первую вышивку, парень, который мне нравился, не поверил, что вышивка сделана вручную. Ему очень понравилось, и я решила продолжить заниматься этим», — рассказывает Вера.

Невозможно не влюбиться в её вышивку, когда в каждое творение вложено столько любви, вдохновения и, разумеется, волшебства. Согласитесь, такая кропотливая работа не каждому по силам! Каждая работа уникальна и в зависимости от детализированности и сложности у рукодельницы уходит на одну вышивку от трёх дней до целого месяца. Кроме того, она делится своими великолепными пейзажами в Инстаграме.

Фото @shimunia

«К академическому искусству я не имею никакого отношения, но вот в прикладном надеюсь добиться успехов. Я с самого детства занималась рисованием, но не профессионально. Художественную школу не оканчивала. Чувство композиции привилось, а так учусь регулярно у мастеров своего дело, ищу идеи. Некоторые люди рождаются с амбициями. Кого-то воспитывают так, что задачи ставятся „стать президентом“, „полететь на Луну“, кто-то попал в нужную компанию или знает с детства своё призвание. У всех с „продвижением по жизни“ свои отношения. Мои амбиции невелики. Я давно смирилась с тем, что карьеристкой мне не стать. Поэтому делаю что люблю, учусь, развиваюсь, иду своей дорогой и надеюсь получать от „прогулки“ максимум удовольствия», – поделилась девушка.

Художница из Страны трех солнц

Существует особый тип художников . Это исследователи , для которых творчество — способ проникнуть в суть вещей , в тайны мироздания . Уже 30 лет одна из них , нанайская художница Людмила Пассар , пишет свою монографию о самой сложной области мировоззрения — мифологии — своего древнего народа. « Пишет » особым , орнаментальным , языком , которым владеет в совершенстве . Страницы ее исследования объединены в большие серии: « Сказания о нанайских родах » и «В Стране трех солнц».

Четыре триптиха серии « Сказания о нанайских родах » повествуют о мифологических предках нанайских родов Ходжер , Бельды , Пассар , Киле , Самар , Оненко и других . В них от чудесной встречи с тотемным существом — тигром ( Бельды , Актанка) , орлом ( Самар) , оленем ( Оненко , Киле) , драконом ( Ходжер) — рождала первых людей рода , который ведет свое продолжение и сегодня.

Поэтичные , наивные , мудрые легенды . Сложно воплотить их содержание , интонации , архаическую символику в формы визуального искусства . Наверное , только человек , связанный с авторами этих сказаний генетическими нитями , способен найти достоверную форму перевода древнего литературного памятника на язык изобразительного искусства . Самым органичным для этого языком может быть только орнамент , возникший почти одновременно с самими мифами . Древний человек верил в магическую силу пиктографического письма , коим и является первобытный орнамент , и вкладывал в него самые жизненно важные символы , сохраняемые тысячелетиями . А значит , и человек , владеющий искусством орнамента , обладал особыми свойствами и силой сродни жреческой.

Берестяные аппликации Людмилы Пассар не иллюстрации к древним сказаниям , а живые легенды , само повествование . Тончайшая вязь ее узоров сплетает силуэты птиц , рыб , спиралей , драконов , близких по характеру и стилю образцам ХVIII — начала ХХ века . Но это не подражание , это — проявление родственности эстетических взглядов и национального сознания.

Большое влияние на формирование будущей художницы оказали бабушки из большой семьи Пассар , родные и дальние . С раннего детства Людмила предпочитала их общество: слушала сказки , наблюдала за рукоделием , пробовала свои силы . Бабушка Боли , с которой дольше всех жила маленькая Люда , учила ее родному нанайскому языку , впервые дала в руки ножницы и бумагу . К 10 годам у ее внучки собралась целая коллекция авторских орнаментальных композиций . Отец , Улама Васильевич Пассар , показал их однажды в Троицком на конкурсе детского творчества и очень обиделся , когда комиссия не поверила , что эти работы выполнены ребенком . Улама Васильевич был образованным , деятельным человеком , он поднимал школьное дело в Нанайском районе в послевоенный период , поэтому ему приходилось каждые 3–4 года переезжать в новое село , куда он назначался директором школы . Только с конца годов семья окончательно поселилась в селе Найхин.

В биографии Людмилы Уламовны была учеба в Хабаровском техникуме связи , Николаевском педагогическом училище , но все эти годы она не оставляла увлечения орнаментальным искусством и жила одной мечтой: учиться в Ленинграде , заниматься любимым делом . Втайне от отца , который не одобрял смелых фантазий дочери , Люда уезжает в Ленинград и поступает на факультет государственного педагогического института им. . Годы учебы в красивейшем городе мира , без сомнения , оказали сильное влияние на творческую судьбу амурской художницы . Богатая художественная жизнь Ленинграда , общение с творческими людьми , знакомство с подлинным классическим искусством — все это всколыхнуло ее творческие силы , освободило художественное воображение . Людмила открыла для себя новый , прекрасный мир: покупала театральный абонемент и почти каждый вечер смотрела новые спектакли , часами бродила по музейным залам , упорно осваивала незнакомые виды и техники изобразительного искусства . Но при этом никогда не забывала о своих древних исконных культурных корнях . Может быть , именно тогда , на фоне классического великолепия , Людмила Уламовна пришла к осознанию уникальности и величия художественного гения своих этнических предков и окончательно определила свое место в их общей культуре . Уже ее дипломная работа была посвящена иллюстрированию легенды о роде Самар , и последующие 30 лет художница продолжала разработку темы родовых сказаний.

И , конечно же , особый интерес вызывала у нее история рода Пассар . Один из вариантов легенды о его происхождении звучит так.

У маньчжурского императора была дочь , которую он очень любил . Однажды он заметил , что его дочь беременна . Он тут же заподозрил слуг , охранявших ее . Поэтому все слуги « гочку » были казнены . Император стал расспрашивать дочь . Она ему и говорит: « Ко мне никто из мужчин не приходил . Только два или три раза снился шаман Чоронку» . И понял император , кто является отцом ребенка . А шаман Чоронку был очень непростым человеком , самым великим шаманом . Он обладал способностью оживлять убитых и умерших людей . Разгневанный император приказал убить Чоронку . Посланные слуги отрубили шаману голову и принесли ее императору . Но Чоронку ожил и сел рыбачить у озера , хотел поймать морского хозяина и отдать его голову императору , чтобы получить в награду его дочь в жены . Он поймал морского хозяина , но тот сорвался с крючка . В это время его нашли слуги и опять отрубили голову . Но Чоронку ожил и продолжил свое занятие . Морской хозяин опять попался , но крючок обломился . Отчаявшийся шаман объявил своим родственникам , что им надо бежать , а именно , плыть по течению Хунгари на Амур: « Мой дух прилетит вслед за вами и будет помогать в вашей дальнейшей жизни . Пойдете , когда выпадет снег выше лыж , поставленных стоймя! » Родственники шамана послушались его совета и ушли на берега Амура , когда выпало достаточно снега . После их ухода Чоронку открыл секрет своей жизни слугам императора: « Мой дух находится в большом пальце левой руки» . Слуги незамедлительно отрубили ему большой палец , от чего шаман перестал оживать . Его освободившийся дух превратился в орла и полетел вслед за родственниками.

В это же время император изгнал свою дочь , дав ей несколько слуг. Девушка со своим сопровождением на лошадях догнала род Чоронку и присоединилась к ним . Душа шамана вселилась в ее тело и повела весь род . Потом она родила семь детей , от которых пошли ветви рода . Долго они плыли на плотах , лодках — « алясимари нехэпу» , те , кто уставал , сходили . Сначала в месте слияния рек Уссури и Амура осталась часть людей , разводящих лошадей , основав род Удинкан ( «уди» — разводить) . Потом другая группа прошла немного в сторону от Амура вглубь , в озерный край , основав род Донкан ( «доанка» — вглубь) . В пологом месте — « мари » обосновался род Маринкан . На острове Перму появился род Пермука . Все остальные, « Тойкамачари нехэпу» — те , кто дрался , поселились на острове Дондон , за ними и осталась фамилия Пассар . Их еще называли « Пукси » ( сердитый , твердый) . Именно Пассары считают своим покровителем шамана Чолингу . Но у него есть и другие имена: Чоронку Хоралта ( вновь оживший , не умирающий) , Чоронку Чолинга ( превратившийся в девушку , ведущую свой народ) , Чоронку Пуйкунгухэни , Чоронку Чочагухэни ( Чоронку подпрыгнул , Чоронку убежал).

На картине , иллюстрирующей это сказание , центральное место занимает личина шамана Чоронку , ведающего всеми уровнями Мирового Древа , обозначенными в композиции соответствующими животными: птицами , лягушками , ящерицами . Покровительствует шаману и его роду Дракон — верховное божество , поэтому голову шамана венчает геральдическое изображение пары небесных драконов . А между ними стилизованная фигура — воплощение души шамана.

В 2000 году к своей юбилейной персональной выставке , состоявшейся в музее изобразительных искусств , изготовила грандиозное по размеру и авторскому замыслу произведение — панно « » , изложив свойственным ей орнаментальным языком главный амурский миф о трех солнцах . Это — этапная работа — результат накопленных знаний , художественных поисков , высочайших технических достижений мастера.

Людмила Уламовна обладает индивидуальным почерком , который делает ее творчество неповторимым , а работы легко узнаваемыми . Пожалуй , главное их качество — необыкновенная пластичность . Линия ее орнамента бесконечна , а формы округлы , упруги и подвижны . Из безупречно организованного , ритмичного хитросплетения проступают к зрителю фантастические маски , родовые символы , одушевленные художницей . Она верит , что петроглифы — послание к ней древних предков , и настойчиво пытается расшифровать его сложные знаки , нанесенные мифическим народом Ха на камнях , расплавленных от зноя трех солнц.

Берестяные маски , выполненные ею по мотивам петроглифов , наделены индивидуальными характерами и эмоциями: « Слеза скорби», « Раздумье», « Маска ужаса», « Шаманская личина» . Она продолжает эпическое сказание своих предков , только не на камнях, а на бересте.

Береста как нельзя лучше соответствует языку « мифологического орнамента» . Бархатистая фактура , глубокий натуральный цвет , мягкий тон вносят в созданные образы благородство и монументальность , столь свойственные характеру традиционного нанайского искусства.

В последние годы Людмила Уламовна изучает графическую символику не только своего этноса , но и общие символы народов мира , чтобы глубже понять традиции собственного народа , взглянуть на них как бы сквозь призму иных культур . Итогом этой работы должна стать классификация нанайских орнаментов , их символики , используемой в утилитарных целях и обрядовой практике.

Работы хранятся во многих музея страны: Российском этнографическом музее ( ) , Государственном музее народного и искусства ( г. Москва) , Музее искусства народов Востока ( Москва) , Загорска , Дальневосточном художественном музее ( Хабаровск) , Хабаровском краевом музее им. , Музее изобразительных искусств ( ) , а также в музеях Японии , в частных коллекциях США и Канады.

Болезнь не позволяет Людмиле Уламовне создавать новые произведения , но у нее есть преемница — дочь Виктория , которая пока работает по лекалам мамы , но обязательно примет эстафету своего талантливого учителя.

В 2010 году замечательная приамурская художница Людмила Уламовна Пассар встречает свой юбилей.